Questa semplice domanda nasconde in realtà un grande tema, ovvero quali sono i criteri che bisognerebbe seguire per la scelta del proprio insegnante di canto. È ormai risaputo e ahimè tristemente provato che spesso i grandi cantanti non sono anche dei buoni didatti. Le ragioni possono essere molteplici; chi ha fatto una grande carriera probabilmente è nato già con un’ottima predisposizione naturale, e spesso non ha dovuto costruire la voce come invece deve fare la maggior parte dei futuri cantanti; inoltre, dopo tanti anni trascorsi sui palcoscenici, saltando da un ruolo e da un teatro all’altro con ritmi sempre più frenetici, tendono ad acquisire una tal padronanza e confidenza con il proprio strumento che difficilmente sono capaci di analizzare e scomporre la tecnica per tramandarla poi ai loro studenti. Ricordo bene di aver sentito a molte masterclass più d’una star dire frasi come “apri la bocca e canta” o “fai come me”. Va da sé che, se questo genere di approccio può funzionare in uno scambio di consigli fra colleghi, ma non porta a nulla veicolare questo tipo di informazioni a degli studenti meno esperti in quanto si possono generare confusione, fraintendimenti e addirittura danni di apprendimento e alle volte persino funzionali.

Per questa ragione è importante rivolgersi a docenti realmente preparati, che conoscano bene l’anatomia dell’organismo vocale, la sua funzionalità, che posseggano oltre al solito metodo di canto “vecchia maniera” anche approcci didattici alternativi e una fervida immaginazione per poter trovare per ogni allievo la chiave di comunicazione più efficace. E ancora più importante, il bravo insegnante deve avere un ottimo orecchio, in grado di analizzare il suono dell’allievo, tradurlo in movimento (per capire su che base muscolare e motoria è stato prodotto) e proporre la giusta correzione spiegando bene COSA modificare e COME farlo.

Ottimo quindi cercare un docente che CANTI BENE, perché è sicuramente la base per poter poi anche insegnare una tecnica sana e corretta, ma bisogna anche cercare qualcuno che abbia fatto un percorso di studio personale rivolto alla didattica del canto. Rispetto a soli 20 anni fa, oggi si conoscono moltissime cose in più riguardo alla voce, a come funziona, a come guarire dalle patologie vocali, per non parlare di tutte le nuove scuole ed i nuovi metodi basati su scoperte più o meno recenti in ambito funzionale. Il buon docente deve essere aggiornato, perché solo un pittore che ha a disposizione una cartella di colori molto vasta e variegata saprà dare al quadro la sfumatura interessante e quel “qualcosa in più”che tutti noi cerchiamo quando ci mettiamo nelle mani di qualcuno.

Deliziose! È la prima parola che mi viene in mente se penso a Daniela Panetta e Giuseppina Cortesi, recentemente conosciute in qualità di docenti al corso di Alta Formazione in Vocologia Artistica dell’Università di Bologna ed autrici di questo piccolo vademecum che si focalizza sulla differenza fra canto lirico e canto jazz, edito nel 2016 da Aracne Editrice.

Daniela è una cantante jazz apprezzata sul territorio europeo: da 25 anni è attiva anche nel campo didattico e si interessa alla voce anche dal punto di vista funzionale, seguendo corsi di formazione specifica presso la Nuova Artec di Milano e il corso di Alta Formazione in Vocologia Artistica. Proprio durante questa ultima esperienza, conosce Giuseppina, la quale, diplomatasi in viola e canto artistico, ha conseguito anche  il master di I livello per Operatori musicali presso l’Università degli studi di Firenze, oltre che il diploma accademico di II livello in canto lirico.  Ha fondato inoltre con l’associazione italiana Yva Barthélémy ed è docente di canto lirico e fisiopatologia vocale presso l’Istituto Superiore di Studi Musicali “Franco Vittadini” di Pavia.

Il loro libro, tramite un efficace confronto stilistico e tecnico, approfondisce le caratteristiche specifiche del canto lirico e del canto jazz, esaltandone le differenze e finalmente chiarendo, con la perfetta chiarezza che contraddistingue le due autrici, alcuni annosi dubbi e confusioni sul tema in oggetto.

Nel libro si parla quindi di eufonia e atletismo, postura ed allineamento, respirazione, fonazione, tratto vocale e i suoi atteggiamenti e le caratteristiche principali che ne definiscono gli stili. Il libro, acquistabile al modico prezzo di 20 euro, viene completato anche da un DVD, nel quale le autrici stesse, con l’aiuto di alcuni allievi, mettono ancora meglio in luce con esempi pratici quanto così ben descritto nell’opera cartacea.

Mi sento di consigliare la lettura di questo libro davvero a tutti, poiché vi sono contenuti simpatici spunti didattici per chi insegna, chiarimenti su aspetti della tecnica vocale per gli allievi e magari questo testo può rivolgersi anche a chi si avvicina al canto e ancora non sa se desidera intraprendere lo studio del canto jazz o lirico!

Il 30 aprile mi sono recato a Berlino ed ho potuto assistere alla Traviata di G. Verdi al teatro della Deutsche Oper di Berlino.

Il teatro in sé è un complesso contemporaneo risalente al 1961 e consiste in una grande platea al parterre e due file di gallerie ai piani superiori. Il vantaggio di questa struttura è che la visuale è ottima quasi da qualsiasi posto. Non posso fare eguali elogi per le poltroncine.. scomode e non propriamente pulite.

L’allestimento del regista Götz Friedrich è un misto fra allestimento contemporaneo/allestimento tradizionale/traviata da teatro di quint’ordine. Associa interessanti trovate (come ad esempio la corsa disperata di Violetta verso l’ultima porta che si sta chiudendo prima di restare da sola alla fine della scena del Brindisi), a trovate imbarazzanti quali la “corsetta” del coro nel “si ridesti in ciel l’aurora”.  In generale, non penso sia un allestimento che lascerà memoria nella storia.

La Direzione è invece affidata a Gian Paolo Bisanti che riesce a gestire bene l’orchestra, nonostante alcune sezioni (ad esempio i violini primi) abbiano una costante fretta di terminare lo spettacolo (come ad esempio nel controcanto ai violoncelli nel preludio). In generale l’orchestra esprime un colore più tedesco, determinato da una quasi eccessiva precisione ritmica, alla quale però non corrisponde sempre un vero e proprio suono di assieme, e al quale manca indubbiamente il respiro del fraseggio delle orchestre italiane in questo genere di repertorio.

Il coro, preparato dal Maestro Thomas Richter, invece risulta sempre abbastanza “a rimorchio”, soprattutto le sezioni maschili, mentre a quelle femminili manca un po’ di suono, rendendo quindi poco chiara la melodia nel suo complesso: vero è che gli elementi erano assolutamente insufficienti per un opera di Verdi in uno spazio tanto vasto. Peccato.

Veniamo ai solisti: regina indiscussa di questa Traviata rimane Patrizia Ciofi che, pur con tutte le difficoltà tecniche della parte e una grande carriera alle spalle, produce nel pubblico forti emozioni, facendosi perdonare qualche furbizia del mestiere. Personalmente, trovo che sia una vera artista, e avendo avuto l’onore di cantare alcune recite di Traviata con lei, posso solo ribadire la sua estrema professionalità ed intensità.

Il tenore Antonio Poli, anche se poco interessante a livello interpretativo del personaggio, sfoggia una bella voce molto ampia nel registro centrale, ma che poi non sale agevolmente negli acuti tanto che non eseguirà il “do” nell’allegro della sua aria del secondo atto (..non è scritto nello spartito.. però è ormai consolidata tradizione).

Giorgio Germont è il baritono Dong-Hwang Lee, di giovane età, e forse prematuramente arrivato a questo ruolo che richiede ben altre capacità interpretative; purtroppo anche l’intonazione era spesso imprecisa.

Flora e Gastone, interpretati da Abigail Lewis e Matthew Newlin, mancano evidentemente due interventi solistici della loro già esigua parte.. e non si distinguono particolarmente nel resto dello spartito.

Molto gradevole la Annina di Adriana Ferfezka che sfoggia una voce ben proiettata e una bella disinvoltura sul palcoscenico.

Di medio livello gli altri comprimari, il barone Duphol di Stephen Bronk, il marchese D’Obigny di Thomas Lehman, il dottor Grenvil di Alexei Botnarciuc e Giuseppe di Paul Kaufmann, quest’ultimo forse una tacca sopra agli altri.

In generale sono rimasto un po perplesso dalla qualità dello spettacolo e la riflessione è andata subito all’Italia; suggerirei ai Signori Ministri che continuano a tagliare fondi alle Fondazoni Liriche italiane di andare a farsi un giro all’estero a verificare se davvero quello che facciamo in Italia è della stessa qualità di quello che viene proposto all’estero, o se rimane un cammeo della sola cultura italiana.

Reduce da un altro weekend trascorso a Ravenna dove sto continuando la mia formazione come artista al corso di Alta Formazione in Vocologia Artistica dell’Universita di Bologna, mi soffermo a pensare sul ruolo che deve avere un docente.

Insegnare con coscienza è senza dubbio uno dei modi per donare qualcosa a qualcuno; perché spesso, almeno nel canto, le conquiste che abbiamo fatto ci sono costate molto lavoro, e non tutti i maestri sono sempre pronti a condividere il loro sapere e le loro esperienze in modo incondizionato e integrale.

Ma essere un insegnante serio vuol dire dare ai propri allievi l’accesso a tutte le informazioni delle quali siamo in possesso e, anzi, laddove sentiamo di essere carenti (perché nessuno nasce maestro e i tuttologi non esistono..), abbiamo il dovere morale di continuare a cercare le risposte, sia per loro, che per noi stessi. Il percorso del cantante non ha mai una fine… la voce evolve e muta durante tutta la vita e anche il nostro modo di rapportarci ad essa deve essere sempre duttilmente rimodellato. 

Penso che il mio desiderio di conoscenza e di approfondimento non terminerà mai: con il canto è così, se ci si dedica seriamente, è un discorso sempre aperto e al quale bisogna costantemente aggiungere dei pezzetti. E questo è il pensiero che cerco di tramandare anche a chi è attorno a me è condivide con me la stessa passione.

Tutti devono studiare la tecnica vocale o qualcuno è dispensato dalla natura dal farlo? In realtà la questione è duplice; quando mi confronto su questo tema con i colleghi cantanti o con i miei allievi, si accende sempre il dibattito. Facciamo quindi chiarezza su questo punto tanto controverso.

Lo studio, inteso come momento di crescita personale, è utile a chiunque, purché sia eseguito in modo corretto. Ciò nonostante, non tutte le persone hanno bisogno della stessa quantità ed intensità di studio per raggiungere un determinato risultato: è proprio qui che entra in gioco il famoso talento personale. Per riassumere in modo crudo la faccenda, potremmo dire che, si, il mondo è squilibrato e c’è chi per ottenere un risultato deve sudare sangue e chi invece ha estrema facilità. Ovviamente le percentuali sono molto sbilanciate verso la prima delle due categorie.. i veri talenti sono così pochi che quasi non fanno testo. Capita alle volte a teatro di sentire cantanti ventenni con la voce perfettamente impostata e con un perfetto accordo pneumo-fonico: e ovviamente viene da chiedersi..”ma quando hanno studiato?” La risposta può essere “mai”. O comunque, poco. La natura con loro è stata particolarmente generosa e si sono ritrovati con quasi tutte le carte messe al posto giusto. Una grandissima fortuna, se devi arrivare a 10, è più facile se parti da 8 piuttosto che da 1! 

Però ricordiamoci che stiamo parlando di casi isolati, di eccellenze, di particolarità: il 95% degli aspiranti cantanti deve dedicare diversi anni allo studio del canto, perché è solo con il tempo che il corpo inizia a sommare tutti i vari aspetti di controllo vocale, a capire come far lavorare in modo sinergico tutti gli elementi della muscolatura dell’appoggio, del sostegno, l’ancoraggio della laringe etc…  quindi non sentiamoci “da meno” se siamo partiti da più lontano, non ci si deve scoraggiare davanti ad una montagna da scalare, e soprattutto non badiamo troppo al giardino del vicino.. il nostro è abbastanza grande è sconfinato da poterci tenere impegnati in maniera esclusiva per tutta la vita 😜

Siccome a Luca piacciono le torte alle carote (finalmente qualcuno che mi asseconda!), scrivo la ricetta della nuova torta della quale vado assai soddisfatto! La ricetta originale viene da La Rizzo, ma mi sono preso qualche..licenza poetica.. e ho modificato qua e là qualche cosa.. di fatto a lei veniva un po’ differente ma, dopo un acceso confronto, abbiamo decretato che pur nella loro diversità, le torte sono entrambe soddisfacenti!

INGREDIENTI:

5 carote medio/grandi

150 gr zucchero (anche 100 va bene se vi piace meno dolce)

4 uova

1 tazzina da caffè di olio di semi o, se volete farvi del male, di burro fuso (30 secondi nel microonde sono sufficienti)

150 gr di mandorle pelate tritate (io le compro intere e le trito nel mixer perché quelle a scaglie mi piacciono meno)

1 pizzico di sale

150 gr di farina di riso oppure 100 gr di farina normale e 50 gr di fecola di patate

1 bustina di lievito

Scorza di un limone (opzionale)
PREPARAZIONE:

Separare i tuorli dagli albumi e montare a neve fissa questi ultimi con un pizzico di sale. In una terrina alta mettere assieme i tuorli, lo zucchero, l’olio (o burro fuso) e amalgamare bene con la frusta elettrica finché lo zucchero non si sarà sciolto; se fatica, si può aggiungere qualche cucchiaio di latte. Grattugiare le carote e unirle assieme alle mandorle tritate e alla scorza di limone al composto. Unire quindi la farina e il lievito (se li setacciate con un colino a maglia stretta la farina incorporerà più aria e il dolce sarà più soffice). Alla fine di tutto, con moooooolta cautela e mescolando con un mestolo con molta delicatezza dal basso verso l’alto, aggiungere gli albumi montati a neve facendo attenzione che non si smontino troppo, ma che si amalgamino bene al resto dell’impasto. Versare il tutto in uno stampo da 28cm di diametro circa (io mi trovo benissimo con gli stampi in silicone ma si può utilizzare una qualsiasi pirofila rivestita con carta da forno) e infornare a forno ben caldo per i primi 10 minuti a 160 gradi e per i restanti 40 a 180 gradi, meglio se con forno statico. 

Prima di sformare la torta e tagliarla, il dolce deve essersi raffreddato per bene!

Buon appetito 🏆

Spesso per ottenere un determinato risultato nel canto facciamo appello a diverse figure retoriche.. ad immagini che in qualche modo ci evocano sensazioni e che in questo modo “ingannano” la nostra vigile coscenza sempre attenta che spesso non vuole andare in terreni nuovi e sconosciuti. Una delle immagini a me più care è quella che la mia Maestra, prendendo in prestito l’immagine da una lezione fatta da lei con la famosa Elisabeth Schwarzkopf, utilizza per spiegare il LEGATO. 

Che a dirla così.. legare un suono ad un altro dovrebbe essere la cosa più elementare del mondo.. basta non inserire una pausa in mezzo.. ebbene no.. non è così. È una delle cose più complesse da ottenere quando si studia il canto lirico; vuoi per la diversa posizione delle vocali, la diversa altezza dei suoni e… appunto.. le consonanti. Queste furbette che invece molte volte utilizziamo per “portare in avanti il suono”, nel legato ci remano nettamente contro, spezzettando quindi il fiato e rendendo il nostro tappeto di vocali legate come un piccolo groviera. 

Eh sì..Le consonanti di fatto interrompono il flusso dell’aria fra le vocali.. e la perizia del cantante sta proprio in questo.. legare le vocali nel canto gestendo le consonanti in modo tale che esse non interrompano il flusso dell’aria. Quale idea migliore quindi quella di vedere le vocali come un lungo filo elettrico e le consonanti come “piccole zampette di uccellino su filo lungo”!

Se penso di paragonarmi ad un frutto, naturalmente mi devo relazionare con un albero dal quale provengo. Ecco, logicamente non si tratta di un albero solo; ognuno di noi in quanto “frutto”, proviene sicuramente da un incrocio di più alberi. Oggi desidero parlare in uno di questi, ovvero della mia Maestra Gloria Paulizza.

Nasce a Genova da genitori esuli di Pola (Istria), si stabilisce dopo pochi mesi a Trieste, città nella quale tutt’ora risiede. Subito dopo il conseguimento del diploma di canto con il massimo dei voti, chiamata dalla direzione artistica del teatro “G.Verdi” di Trieste, debutta nell’opera “Il Trittico” del M° Illesberg, iniziando così una carriera che, partendo dal repertorio operistico, si allarga a quello sinfonico e cameristico.
Partecipa a numerosi allestimenti teatrali al fianco dei più qualificati artisti, sotto la guida di Maestri quali Capuana, Rivoli, Hubad, Ledda, Cattini, De Fabritiis, Scaglia, Benzi…
Altrettanto numerose sono le sue presenze a qualificate stagioni sinfoniche: sotto la direzione del M° Erede esegue lo “Stabat Mater” di Szimanowski, con il M° Baudo lo “Stabat Mater” di Poulenc, con il M° Previtali i “Requiem” di Faurè, la IV Sinfonia di Mahler con il M° Giovaninetti, i “Sheakspeare Songs” di Mirt con il M° Weikert, i “Carmina Burana” di Orff con il M° Stulen e il Nederlands Dans Theater.
Lo spazio maggiore della carriera viene dedicato alla musica da camera con un repertorio che abbraccia oltre tre secoli di liriche ,Lieder, Songs etc. ..Sua è la riproposta in Italia del Canzoniere di Wolf-Ferrari, un ciclo di liriche presentate come un lungo racconto d’amore. Eseguito in decine di sedi, di successo in successo, il Canzoniere viene presentato anche alla Scala di Milano. La stessa operazione di recupero veiene fatta con i canti popolari trascritti ed elaborati da Geni Sadero (cari a Toti dal Monte).
A Trieste , con i “Canti della Lontananza” del M° Menotti, è al centro della serata che la Società dei Concerti ed il Circolo della Stampa organizzano per festeggiare il Maestro Menotti.
Numerosi concerti vengono registrati o dal vivo o in sede radiofonica da vari enti italiani o stranieri e messi in onda un numero incalcolabile di volte. Sempre in tema radiofonico va ricordata la sua partecipazione per ben due anni con decine di arie e duetti da operette italiane e straniere alla trasmissione “Operetta ieri e oggi” delle Retedue. Si ricordano poi i concerti d’arie d’operette “Schon ist die Welt”, quelli “Omaggio a Schubert” e i recitals per Amnesty Internetional al Castello di Duino ospite del principe Raimondi della Torre e Tasso.
Per quattro anni ha fatto parte del “Gruppo Cameristico” di Trieste (4 voci e pianoforte a quattro mani).
Il suo nome è citato dal M° Vito Levi nel suo libro “La vita musicale triestina” e dal M° G.Radole nel suo libro “Trieste – la musica e i musicisti”.
È stata docente di Teoria e Solfeggio e di Canto presso il Conservatorio “G.Tartini” di Trieste; dal 1993 collaborata in qualità di docente di canto con l’Accademia di Musica e Canto Corale.
Ha tenuto più volte corsi di musica da camera (Lieder) e operistica per cantanti italiani e stranieri.

Il proverbio dice proprio questo.. chi ben comincia è a metà dell’opera! E così è proprio stato.

Inizio a prendere le prime lezioni di pianoforte a 5 anni, da un anziano pianista che non aveva mai insegnato. Negli anni ’80 la didattica della musica che vigeva in Via Rossetti 15 non era certo quella dei libri del Musigatto degli anni odierni.. e un bambino si ritrovava libri oscuri quali Bona, Pozzoli, Lazzari… insomma un po di tutta la cosiddetta “vecchia guardia”. Sicuramente il vecchio insegnante non era stato capace di trasmettermi l’amore per la musica che ho sviluppato poi nel tempo.. e quindi per numerosi anni ho fatto un po la scimmia ammaestrata, studiando perché “si deve studiare”, ma senza soddisfazione e, anzi, molte volte con fatica e rimproveri.

Anche nel mio condominio, tutti i vicini dovevano sopportare ore ed ore di esercizi quotidiani, scale, arpeggi, studi.. ma nessuno mai si lamentava. In verità, era un condominio molto particolare, di quelli di una volta, dove si era alla fine quasi tutti un’unica famiglia. Nel 1987, la mia nonna, principale promotrice dei miei studi musicali, mi acquista il mio primo pianoforte, uno Zimmermann bianco (..il colore lo scelse mia madre perche ben si intonava con i mobili della camera..) prodotto ancora dalla fabbrica di Leipzig nella ex DDR. Uno strumento che ho a dir poco sfasciato nel corso degli anni, ma che tutt’ora conservo con affetto.

La mia nonna, oggi più che novantenne, aveva compiuto gli studi musicali di Violino a Trieste, sotto la guida del famoso violinista Franco Gulli. Purtroppo, la seconda guerra mondiale alle porte la obbligò ad appendere l’archetto al muro per dedicarsi unicamente alla merceria di famiglia. Non essendo riuscita ad appassionare alla musica mia madre, col nipote il risultato è stato molto più proficuo e, se oggi vivo facendo il musicista, lo devo molto anche a lei.

Cresco, sempre con la musica affianco, ma si accavallano molteplici attività: la scuola, ogni tipo di sport, insomma.. non c’è pace e le forze vengono suddivise a pioggia su tutti i vari fronti. Ma la musica non è ancora una passione vera.. rimane una delle tante attività..da fare un po come i compiti, quindi un po una rottura di scatole più che una valvola di sfogo espressiva. E qui entra in gioco la testardaggine di mia madre che, incoraggiata dalle promettenti parole del Maestro Alessandro, nonostante le mie numerose richieste di sospendere gli studi musicali, imperterrita mi obbliga a frequentare le lezioni. Ormai però maestro ed allievo sono allo scontro personale; subentra da parte mia la stanchezza, il suo poco entusiasmo e la sua pedanteria, forse un inizio di pubertà 🙂 E ormai non è più cosa.. voglio smettere, non voglio più salire quelle scale tetre, non mi voglio più confrontare con quella personalità scontrosa e poco amorevole che pensava solo a farmi diventare IL suo allievo.

Ma la cocciutaggine di mamma non molla.. ed eccomi a casa della mia nuova insegnante, una signora di neanche 40 anni, toscana, bionda, sorridente ed amorevole. A me sembra un sogno.. ma esistono davvero maestri di pianoforte che sorridono??! E lei insegnava addirittura al Conservatorio.. io pensavo.. “qua le cose si mettono male, mi toccherà studiare da matti”. Ma lei capì subito che la mia strada non era quella, e mi guido nel corso degli anni cercando di seguire quel filone di talento musicale che c’era, ma non si sapeva ancora in che forma si sarebbe espressa. Grazie!