ScalaDiDò

In questi giorni stiamo vivendo una parziale paralisi delle nostre routine quotidiane, in quanto l’emergenza Coronavirus ha imposto di modificare le nostre abitudini e soprattutto ha rallentato i nostri ritmi di allenamento.

E’ quindi necessario trovare un modo per mantenere il fisico in esercizio, per non perdere la tonicità muscolare ed essere pronti a ripartire quando l’emergenza sarà finita. Se da un lato il riposo vocale forzato sicuramente può fare bene a tutti, non è opportuno che la muscolatura rimanga troppo ferma; alla ripresa del ritmo normale si potrebbe rischiare di affaticare la voce perchè le avremo dato tempo di “arrugginirsi”.

Quindi.. tanto tempo a disposizione a casa.. cosa fare? Iniziamo con la respirazione: ora non avete proprio scuse! 🙂

Riassumo l’esercizio base a 4 fasi: 

• piedi a larghezza delle anche
• busto chinato in avanti a 90° rispetto alle gambe, ginocchia leggermente piegate (per scaricare la schiena)
• braccia, spalle e nuca completamente rilassate “a penzoloni”.

1a fase)  svuoto l’aria strizzando bene gli addominali bassi e soffiando dalla bocca.

2a fase)  stringendo le narici (puoi aiutarti facendo una smorfia sul viso come quando si aggrottano le sopracciglia), inizio la mia inspirazione che deve essere LENTA e CONTROLLATA (circa 7/8 secondi). Inizio a riempire la parte bassa della schiena, cercando di usare l’aria che entra per allargare la muscolatura lombare, come se l’aria fosse un liquido e andasse logicamente a riempire prima la base del mio recipiente per via della forza di gravità.

3a fase) apnea per circa 3/4 secondi, con l’accortezza di non chiudere la glottide: le corde vocali devono restare in posizione di apertura.

4a fase)  espirazione forzata e rapida dalla bocca, con l’ausilio degli addominali bassi: l’aria in uscita deve essere sempre costante e sostenuta. (max 3 secondi totali).

Questo esercizio va ripetuto per un massimo di 5 volte consecutive, successivamente alle quali posso riposare per un minuto. Il consiglio è quello di iniziare con 3 ripetizioni per 5 volte, e man mano portare le ripetizioni a 5, mantenendo sempre 5 cicli. Per rendere l’esercizio utile, bisogna fare massima attenzione ad eseguire l’esercizio correttamente in tutte le sue fasi! Quindi, NO fretta, SI controllo consapevole del movimento.

Buon Lavoro!!

Sembra quasi incredibile, ma oggi trovare un buon insegnante di canto è diventato quasi più difficile dello stesso cantare. Una volta i bravi maestri basavano il loro metodo principalmente su ottime intuizioni, un orecchio attento e la capacità di dare indicazioni giuste all’allievo pur non conoscendo alla perfezione il funzionamento dell’organo vocale.

Dagli anni ’80, grazie al progresso tecnico raggiunto in campo medico, si è potuto osservare e studiare il funzionamento della voce anche in tempo reale, e quindi AGGIUNGERE delle preziosissime informazioni nella didattica del canto. Queste nozioni sono andate spesso a confermare con dati certi le cosiddette “ottime intuizioni” dei grandi Maestri e hanno fornito ai comuni mortali maggiori strumenti e possibilità per trovare la chiave giusta per migliorare la propria performance vocale. In altri casi, si è a che dimostrato che alcune credenze erano infondate e persino dannose (mi viene in mente una docente soprano che si incaponiva a voler fare aprire tanto la bocca ad un allievo tenore per eseguire delle note molto acute; è stato dimostrato che soprano e tenore non sfruttano gli stessi meccanismi acustici per salire all’acuto, pertanto il suggerimento della docente era sbagliato e quasi dannoso).

Oggi, c’è ancora molta disinformazione e SCETTICISMO CRITICO da parte di tanti docenti di canto verso questi nuovi strumenti di conoscenza; ho quasi la sensazione che molte persone, per paura di mettersi in discussione, preferiscano non voler guardare verso questi nuovi orizzonti. Questa chiusura mentale da parte degli insegnanti ovviamente si traduce in una grande perdita di informazioni per l’allievo, che nella migliore delle ipotesi avrà delle lacune ed impiegherà molto più tempo per arrivare ad un risultato soddisfacente, in altri casi potrebbe ricevere delle informazioni totalmente scorrette e non coerenti con la funzionalità dell’organo vocale, portando l’allievo verso i ben noti problemi di stanchezza vocale e usura della voce.

Qualsiasi cantante dovrebbe ormai sapere che il percorso di crescita non è mai finito; anche gli insegnanti di canto dovrebbero continuare la propria formazione e AGGIORNARSI per poter offrire ai propri allevi una lezione completa e ONESTA. È forse un male se un docente continua ad andare a lezione di canto lui stesso? Se frequenta dei corsi di formazione specifici? Se durante una lezione vi parla di muscoli e anatomia?

Il mio consiglio è… drizzate le antenne! Scegliete di affidare la vostra formazione a chi investe anche energie e tempo per rimanere aggiornato ed ha a disposizione una paletta di colori ampia per poter trovare la chiave personalizzata con la quale lavorare su ognuno di voi!

Questa semplice domanda nasconde in realtà un grande tema, ovvero quali sono i criteri che bisognerebbe seguire per la scelta del proprio insegnante di canto. È ormai risaputo e ahimè tristemente provato che spesso i grandi cantanti non sono anche dei buoni didatti. Le ragioni possono essere molteplici; chi ha fatto una grande carriera probabilmente è nato già con un’ottima predisposizione naturale, e spesso non ha dovuto costruire la voce come invece deve fare la maggior parte dei futuri cantanti; inoltre, dopo tanti anni trascorsi sui palcoscenici, saltando da un ruolo e da un teatro all’altro con ritmi sempre più frenetici, tendono ad acquisire una tal padronanza e confidenza con il proprio strumento che difficilmente sono capaci di analizzare e scomporre la tecnica per tramandarla poi ai loro studenti. Ricordo bene di aver sentito a molte masterclass più d’una star dire frasi come “apri la bocca e canta” o “fai come me”. Va da sé che, se questo genere di approccio può funzionare in uno scambio di consigli fra colleghi, ma non porta a nulla veicolare questo tipo di informazioni a degli studenti meno esperti in quanto si possono generare confusione, fraintendimenti e addirittura danni di apprendimento e alle volte persino funzionali.

Per questa ragione è importante rivolgersi a docenti realmente preparati, che conoscano bene l’anatomia dell’organismo vocale, la sua funzionalità, che posseggano oltre al solito metodo di canto “vecchia maniera” anche approcci didattici alternativi e una fervida immaginazione per poter trovare per ogni allievo la chiave di comunicazione più efficace. E ancora più importante, il bravo insegnante deve avere un ottimo orecchio, in grado di analizzare il suono dell’allievo, tradurlo in movimento (per capire su che base muscolare e motoria è stato prodotto) e proporre la giusta correzione spiegando bene COSA modificare e COME farlo.

Ottimo quindi cercare un docente che CANTI BENE, perché è sicuramente la base per poter poi anche insegnare una tecnica sana e corretta, ma bisogna anche cercare qualcuno che abbia fatto un percorso di studio personale rivolto alla didattica del canto. Rispetto a soli 20 anni fa, oggi si conoscono moltissime cose in più riguardo alla voce, a come funziona, a come guarire dalle patologie vocali, per non parlare di tutte le nuove scuole ed i nuovi metodi basati su scoperte più o meno recenti in ambito funzionale. Il buon docente deve essere aggiornato, perché solo un pittore che ha a disposizione una cartella di colori molto vasta e variegata saprà dare al quadro la sfumatura interessante e quel “qualcosa in più”che tutti noi cerchiamo quando ci mettiamo nelle mani di qualcuno.

Deliziose! È la prima parola che mi viene in mente se penso a Daniela Panetta e Giuseppina Cortesi, recentemente conosciute in qualità di docenti al corso di Alta Formazione in Vocologia Artistica dell’Università di Bologna ed autrici di questo piccolo vademecum che si focalizza sulla differenza fra canto lirico e canto jazz, edito nel 2016 da Aracne Editrice.

Daniela è una cantante jazz apprezzata sul territorio europeo: da 25 anni è attiva anche nel campo didattico e si interessa alla voce anche dal punto di vista funzionale, seguendo corsi di formazione specifica presso la Nuova Artec di Milano e il corso di Alta Formazione in Vocologia Artistica. Proprio durante questa ultima esperienza, conosce Giuseppina, la quale, diplomatasi in viola e canto artistico, ha conseguito anche  il master di I livello per Operatori musicali presso l’Università degli studi di Firenze, oltre che il diploma accademico di II livello in canto lirico.  Ha fondato inoltre con l’associazione italiana Yva Barthélémy ed è docente di canto lirico e fisiopatologia vocale presso l’Istituto Superiore di Studi Musicali “Franco Vittadini” di Pavia.

Il loro libro, tramite un efficace confronto stilistico e tecnico, approfondisce le caratteristiche specifiche del canto lirico e del canto jazz, esaltandone le differenze e finalmente chiarendo, con la perfetta chiarezza che contraddistingue le due autrici, alcuni annosi dubbi e confusioni sul tema in oggetto.

Nel libro si parla quindi di eufonia e atletismo, postura ed allineamento, respirazione, fonazione, tratto vocale e i suoi atteggiamenti e le caratteristiche principali che ne definiscono gli stili. Il libro, acquistabile al modico prezzo di 20 euro, viene completato anche da un DVD, nel quale le autrici stesse, con l’aiuto di alcuni allievi, mettono ancora meglio in luce con esempi pratici quanto così ben descritto nell’opera cartacea.

Mi sento di consigliare la lettura di questo libro davvero a tutti, poiché vi sono contenuti simpatici spunti didattici per chi insegna, chiarimenti su aspetti della tecnica vocale per gli allievi e magari questo testo può rivolgersi anche a chi si avvicina al canto e ancora non sa se desidera intraprendere lo studio del canto jazz o lirico!

Il 30 aprile mi sono recato a Berlino ed ho potuto assistere alla Traviata di G. Verdi al teatro della Deutsche Oper di Berlino.

Il teatro in sé è un complesso contemporaneo risalente al 1961 e consiste in una grande platea al parterre e due file di gallerie ai piani superiori. Il vantaggio di questa struttura è che la visuale è ottima quasi da qualsiasi posto. Non posso fare eguali elogi per le poltroncine.. scomode e non propriamente pulite.

L’allestimento del regista Götz Friedrich è un misto fra allestimento contemporaneo/allestimento tradizionale/traviata da teatro di quint’ordine. Associa interessanti trovate (come ad esempio la corsa disperata di Violetta verso l’ultima porta che si sta chiudendo prima di restare da sola alla fine della scena del Brindisi), a trovate imbarazzanti quali la “corsetta” del coro nel “si ridesti in ciel l’aurora”.  In generale, non penso sia un allestimento che lascerà memoria nella storia.

La Direzione è invece affidata a Gian Paolo Bisanti che riesce a gestire bene l’orchestra, nonostante alcune sezioni (ad esempio i violini primi) abbiano una costante fretta di terminare lo spettacolo (come ad esempio nel controcanto ai violoncelli nel preludio). In generale l’orchestra esprime un colore più tedesco, determinato da una quasi eccessiva precisione ritmica, alla quale però non corrisponde sempre un vero e proprio suono di assieme, e al quale manca indubbiamente il respiro del fraseggio delle orchestre italiane in questo genere di repertorio.

Il coro, preparato dal Maestro Thomas Richter, invece risulta sempre abbastanza “a rimorchio”, soprattutto le sezioni maschili, mentre a quelle femminili manca un po’ di suono, rendendo quindi poco chiara la melodia nel suo complesso: vero è che gli elementi erano assolutamente insufficienti per un opera di Verdi in uno spazio tanto vasto. Peccato.

Veniamo ai solisti: regina indiscussa di questa Traviata rimane Patrizia Ciofi che, pur con tutte le difficoltà tecniche della parte e una grande carriera alle spalle, produce nel pubblico forti emozioni, facendosi perdonare qualche furbizia del mestiere. Personalmente, trovo che sia una vera artista, e avendo avuto l’onore di cantare alcune recite di Traviata con lei, posso solo ribadire la sua estrema professionalità ed intensità.

Il tenore Antonio Poli, anche se poco interessante a livello interpretativo del personaggio, sfoggia una bella voce molto ampia nel registro centrale, ma che poi non sale agevolmente negli acuti tanto che non eseguirà il “do” nell’allegro della sua aria del secondo atto (..non è scritto nello spartito.. però è ormai consolidata tradizione).

Giorgio Germont è il baritono Dong-Hwang Lee, di giovane età, e forse prematuramente arrivato a questo ruolo che richiede ben altre capacità interpretative; purtroppo anche l’intonazione era spesso imprecisa.

Flora e Gastone, interpretati da Abigail Lewis e Matthew Newlin, mancano evidentemente due interventi solistici della loro già esigua parte.. e non si distinguono particolarmente nel resto dello spartito.

Molto gradevole la Annina di Adriana Ferfezka che sfoggia una voce ben proiettata e una bella disinvoltura sul palcoscenico.

Di medio livello gli altri comprimari, il barone Duphol di Stephen Bronk, il marchese D’Obigny di Thomas Lehman, il dottor Grenvil di Alexei Botnarciuc e Giuseppe di Paul Kaufmann, quest’ultimo forse una tacca sopra agli altri.

In generale sono rimasto un po perplesso dalla qualità dello spettacolo e la riflessione è andata subito all’Italia; suggerirei ai Signori Ministri che continuano a tagliare fondi alle Fondazoni Liriche italiane di andare a farsi un giro all’estero a verificare se davvero quello che facciamo in Italia è della stessa qualità di quello che viene proposto all’estero, o se rimane un cammeo della sola cultura italiana.

Reduce da un altro weekend trascorso a Ravenna dove sto continuando la mia formazione come artista al corso di Alta Formazione in Vocologia Artistica dell’Universita di Bologna, mi soffermo a pensare sul ruolo che deve avere un docente.

Insegnare con coscienza è senza dubbio uno dei modi per donare qualcosa a qualcuno; perché spesso, almeno nel canto, le conquiste che abbiamo fatto ci sono costate molto lavoro, e non tutti i maestri sono sempre pronti a condividere il loro sapere e le loro esperienze in modo incondizionato e integrale.

Ma essere un insegnante serio vuol dire dare ai propri allievi l’accesso a tutte le informazioni delle quali siamo in possesso e, anzi, laddove sentiamo di essere carenti (perché nessuno nasce maestro e i tuttologi non esistono..), abbiamo il dovere morale di continuare a cercare le risposte, sia per loro, che per noi stessi. Il percorso del cantante non ha mai una fine… la voce evolve e muta durante tutta la vita e anche il nostro modo di rapportarci ad essa deve essere sempre duttilmente rimodellato. 

Penso che il mio desiderio di conoscenza e di approfondimento non terminerà mai: con il canto è così, se ci si dedica seriamente, è un discorso sempre aperto e al quale bisogna costantemente aggiungere dei pezzetti. E questo è il pensiero che cerco di tramandare anche a chi è attorno a me è condivide con me la stessa passione.

Tutti devono studiare la tecnica vocale o qualcuno è dispensato dalla natura dal farlo? In realtà la questione è duplice; quando mi confronto su questo tema con i colleghi cantanti o con i miei allievi, si accende sempre il dibattito. Facciamo quindi chiarezza su questo punto tanto controverso.

Lo studio, inteso come momento di crescita personale, è utile a chiunque, purché sia eseguito in modo corretto. Ciò nonostante, non tutte le persone hanno bisogno della stessa quantità ed intensità di studio per raggiungere un determinato risultato: è proprio qui che entra in gioco il famoso talento personale. Per riassumere in modo crudo la faccenda, potremmo dire che, si, il mondo è squilibrato e c’è chi per ottenere un risultato deve sudare sangue e chi invece ha estrema facilità. Ovviamente le percentuali sono molto sbilanciate verso la prima delle due categorie.. i veri talenti sono così pochi che quasi non fanno testo. Capita alle volte a teatro di sentire cantanti ventenni con la voce perfettamente impostata e con un perfetto accordo pneumo-fonico: e ovviamente viene da chiedersi..”ma quando hanno studiato?” La risposta può essere “mai”. O comunque, poco. La natura con loro è stata particolarmente generosa e si sono ritrovati con quasi tutte le carte messe al posto giusto. Una grandissima fortuna, se devi arrivare a 10, è più facile se parti da 8 piuttosto che da 1! 

Però ricordiamoci che stiamo parlando di casi isolati, di eccellenze, di particolarità: il 95% degli aspiranti cantanti deve dedicare diversi anni allo studio del canto, perché è solo con il tempo che il corpo inizia a sommare tutti i vari aspetti di controllo vocale, a capire come far lavorare in modo sinergico tutti gli elementi della muscolatura dell’appoggio, del sostegno, l’ancoraggio della laringe etc…  quindi non sentiamoci “da meno” se siamo partiti da più lontano, non ci si deve scoraggiare davanti ad una montagna da scalare, e soprattutto non badiamo troppo al giardino del vicino.. il nostro è abbastanza grande è sconfinato da poterci tenere impegnati in maniera esclusiva per tutta la vita 😜